LA BIBLIA DEL CANAL

Shorts virales y vídeos de ~10 minutos para YouTube · Estilo cinematográfico · Un solo actor

Documento de obligado cumplimiento para guionistas, directores, operadores, montadores y el actor. Si algo de lo que vas a hacer contradice esta biblia, o lo justificas por escrito antes de rodar, o no lo haces.

Índice

1. Cómo usar esta biblia
2. Los 10 mandamientos
3. Cómo decide YouTube (y por qué todo lo demás existe)
4. Identidad: el canal es el actor
5. Ideación: la idea lo es todo
6. Packaging: título y miniatura antes que guion
7. Escritura: reglas universales
8. Guion de Short
9. Guion de vídeo largo (~10 min)
10. Dirección cinematográfica con un solo actor
11. Interpretación: dirigir al actor
12. Sonido
13. Montaje para retención
14. Especificaciones técnicas
15. Ecosistema Shorts ↔ largos
16. Publicación
17. Análisis y mejora continua
18. Los pecados capitales
19. Checklists
20. Plantillas
21. Glosario

0. Cómo usar esta biblia

• Guionista: lee 1–8 y 17. Usa las plantillas de la sección 19.
• Director / operador: lee 1–3, 9–11, 13 y 17.
• Montador: lee 1–2, 11–14 y 17.
• Actor: lee 1, 3 y 10.
• Todos: checklists de la sección 18 antes de dar cualquier fase por cerrada.

Las cifras de este documento son orientativas. El algoritmo y los formatos cambian; los principios (atención, emoción, promesa cumplida) no. Cuando los datos del propio canal contradigan una cifra de aquí, mandan los datos del canal.

1. Los 10 mandamientos

1. El espectador no te debe nada. Cada segundo tiene que ganarse el siguiente.
2. Packaging primero. Si no sabes el título y la miniatura, no tienes vídeo; tienes un tema.
3. El primer segundo es el vídeo. Lo que no engancha en 1–3 s no existe.
4. Promesa → tensión → cumplimiento. Promete algo concreto, retrasa la respuesta con intención, entrégala mejor de lo esperado.
5. "Pero" y "por lo tanto", nunca "y luego". Cada escena debe causar o complicar la siguiente.
6. Cinematográfico no es lento. La estética es premium; el ritmo es de Short.
7. El sonido es la mitad del vídeo. Imagen mediocre con sonido excelente se ve; al revés, no.
8. Un actor, muchas texturas. Variamos plano, luz, lugar, vestuario y registro para que un solo cuerpo no canse.
9. Corta todo lo que no sirve a la promesa. Si dudas, sobra.
10. Mide, aprende, repite. Ningún vídeo es un fracaso si se analiza; todos lo son si no.

2. Cómo decide YouTube

YouTube no "premia" vídeos: predice qué hará feliz a cada espectador concreto y se lo enseña. Nuestro trabajo es dar señales claras de que este vídeo satisface.

2.1 Vídeos largos

CTR alto + retención baja = clickbait: el algoritmo lo detecta y lo entierra. CTR bajo + retención alta = buen vídeo mal empaquetado: arreglar título/miniatura.

2.2 Shorts

En Shorts no hay clic: el primer fotograma ES la miniatura, y el primer segundo ES el título.

2.3 Consecuencia práctica

Todo el proceso se diseña al revés: primero la emoción y la promesa que queremos provocar, después todo lo demás.

3. Identidad: el canal es el actor

Con un solo actor, el actor es la marca. El espectador vuelve por él tanto como por los temas.

3.1 Ficha del personaje-canal (rellenar antes del primer vídeo)

• Quién es en pantalla (una frase): p. ej. "un narrador obsesivo que descubre lo que nadie mira".
• Qué quiere: su motor emocional (curiosidad, justicia, miedo, ambición…).
• Qué le hace único: tic, objeto, frase, mirada, forma de hablar.
• Lo que nunca hace: límites del personaje (nunca grita, nunca se ríe del espectador, nunca vende humo…).
• Registro base y registros de contraste: p. ej. base contenido y grave; contraste: ironía seca, vulnerabilidad.

3.2 Constantes visuales (el "look" del canal)

Definir y respetar en todos los vídeos:

• Paleta de color (2–3 tonos dominantes + 1 acento). Ej.: teal/naranja con acento rojo.
• Vestuario firma o variaciones de una prenda reconocible.
• Un plano firma (ej.: primerísimo primer plano lateral con luz dura), que aparece en todos los vídeos.
• Tipografía de textos en pantalla: una sola familia, máximo dos pesos.
• Gesto o frase de apertura/cierre opcional, nunca más de 1 s.

3.3 Coherencia de nicho

El nicho es genérico, pero el ángulo no. Cualquier tema pasa por el filtro del personaje: no hacemos "vídeos sobre X", hacemos "X visto por nuestro personaje". Si un tema no encaja en su forma de mirar el mundo, se descarta.

4. Ideación: la idea lo es todo

Un guion brillante no salva una idea mediocre. Una idea brillante sobrevive a un guion correcto.

4.1 Fórmula de una buena idea

Idea = Tema con interés amplio + Ángulo inesperado + Emoción clara + Promesa concreta

• ❌ "La historia del café" (tema, sin ángulo).
• ✅ "El café fue prohibido 5 veces y por eso hoy existe tu oficina" (tema + ángulo + promesa).

4.2 Las emociones que viajan

Toda idea debe disparar al menos una, y nombrarla en el guion:

• Curiosidad (¿cómo es posible?)
• Asombro (no sabía que esto existía)
• Indignación / injusticia (esto no debería pasar)
• Miedo / peligro (esto podría pasarte)
• Identificación (esto me pasa a mí)
• Aspiración (yo quiero eso)
• Humor (giro absurdo)
• Nostalgia / ternura

4.3 Test de la idea (aprobar 5 de 6)

1. ¿Se entiende en una frase de menos de 15 palabras?
2. ¿Hay tensión (pregunta, conflicto, misterio, riesgo)?
3. ¿Le importaría a alguien que no conoce el tema?
4. ¿Se puede ver (es visual, filmable con un actor)?
5. ¿Tiene un payoff satisfactorio (respuesta, giro, revelación)?
6. ¿Lo compartirías con alguien concreto? ("esto se lo mando a…")

4.4 Fuentes de ideas

• Outliers: vídeos de otros canales (también de otros nichos) con muchas más vistas que la media de su canal. Copiamos la estructura de la idea, nunca el contenido.
• Comentarios propios y ajenos: preguntas repetidas = demanda.
• Contrarian: "todo el mundo cree X, pero…".
• Superlativos: el primero, el último, el más caro, el único.
• Historias humanas detrás de objetos/cosas cotidianas.
• Retención propia: los picos de la curva de vídeos antiguos son ideas de vídeos nuevos.

4.5 Banco de ideas

Mantener un banco con, como mínimo, 30 ideas puntuadas (1–10) en: interés, ángulo, viabilidad de rodaje, packaging. Solo se producen ideas con media ≥ 7.

5. Packaging: título y miniatura antes que guion

Regla de oro: no se escribe una línea de guion de un vídeo largo sin título y boceto de miniatura aprobados. En Shorts, sin primer fotograma y primera frase aprobados.

5.1 Títulos (vídeos largos)

• Máx. ~50–60 caracteres (que no se corte en móvil).
• Crea una brecha de curiosidad que solo el vídeo cierra.
• Concreto > abstracto: números, nombres, cifras, plazos.
• Título y miniatura se complementan, no se repiten. La miniatura muestra la emoción/escena; el título añade el contexto o la pregunta.
• Lenguaje de conversación, no de enciclopedia.
• Prohibido mentir. Exagerar el tono, sí; inventar el contenido, nunca.

Patrones que funcionan: - "Por qué [cosa común] es [algo inesperado]" - "[Persona/cosa] hizo [acción extrema]. Esto pasó después." - "Pasé [tiempo] haciendo [reto] y [resultado]" - "Nadie habla de [cosa]" - "La verdad sobre [cosa]" - "[Número] [cosas] que [consecuencia]"

Escribir mínimo 10 títulos por vídeo y elegir entre los 2 mejores para test A/B.

5.2 Miniaturas (vídeos largos)

Nuestra ventaja: el actor y el estilo cinematográfico. Usarlos.

• Un solo foco: un sujeto principal (el actor) + máximo un elemento secundario.
• Cara con emoción legible a tamaño sello (rostro grande, ojos visibles, expresión exagerada un 20 % sobre lo natural).
• Contraste brutal: sujeto separado del fondo por luz, color o desenfoque.
• Máx. 3–4 palabras de texto, o ninguna. Nunca repetir el título.
• Legible a 160 px de ancho. Si no se entiende en miniatura de móvil, no vale.
• Disparar fotos de miniatura en el rodaje (stills dedicados, con luz pensada para ello). Nunca depender de un fotograma del vídeo.
• Mantener un estilo reconocible entre miniaturas (paleta, encuadre, tipografía).
• Preparar 2–3 variantes para "Probar y comparar".

5.3 Primer fotograma (Shorts)

El primer fotograma funciona como miniatura:

• Algo ya está pasando: movimiento, acción a medias, mirada directa, objeto extraño.
• Nunca negro, nunca logo, nunca plano vacío.
• Texto de gancho opcional en zona segura (ver 13.3), máx. 6–8 palabras.

5.4 Coherencia promesa ↔ contenido

Los primeros 30 s del largo y los primeros 2 s del Short deben confirmar lo que prometía el packaging. Si la miniatura muestra una escena, esa escena (o su contexto) aparece pronto.

6. Escritura: reglas universales

6.1 Se escribe para el oído y para el ojo

• Escribe como hablas. Lee cada línea en voz alta; lo que se atasca, se reescribe.
• Frases cortas. Una idea por frase. Sujeto + verbo + complemento.
• Ritmo: alterna frases cortas y medias. Una frase de 3 palabras tras tres largas golpea.
• Prohibidas muletillas de arranque: "Hola a todos", "En el vídeo de hoy", "Antes de empezar", "Bueno…".
• Verbos concretos, sustantivos concretos. "Se fue" < "Huyó por la ventana".
• Mostrar > contar. Si una imagen lo dice, el texto calla.

6.2 Velocidad de lectura

Español hablado natural: ~150–170 palabras/min (Shorts, ritmo vivo: hasta ~180).

6.3 Motor narrativo: "pero / por lo tanto"

Entre cada beat del guion debe poder escribirse "pero" o "por lo tanto". Si solo cabe "y luego", el beat sobra o hay que reescribirlo.

6.4 Bucles abiertos (open loops)

Plantea una pregunta y no la respondas todavía. Siempre debe haber al menos un bucle abierto activo. Antes de cerrar uno, abre el siguiente.

6.5 Especificidad = credibilidad

"Hace mucho tiempo" < "En 1953". "Mucho dinero" < "4,2 millones". "Un sitio raro" < "un sótano sin ventanas en Lyon". Los datos concretos retienen.

6.6 Stakes (lo que está en juego)

Toda historia necesita responder: ¿qué pasa si sale mal? Si nada está en juego, nadie se queda.

6.7 Verificación

Cada dato factual lleva fuente en el documento del guion (columna de notas). Un error factual en comentarios destroza la credibilidad del personaje.

7. Guion de Short

7.1 Duración

• Punto dulce: 20–45 s. Un Short debe durar exactamente lo que su idea necesita, ni un segundo más.
• Hasta 60 s si la historia lo exige y la retención lo sostiene.
• Más de 60 s (YouTube permite hasta 3 min) solo para historias con giros múltiples probadas antes en formato corto.
• Regla: si se puede contar en 25 s, no se cuenta en 40.

7.2 Estructura (Short de ~35 s)

7.3 Tipos de gancho (elegir uno y escribirlo en el guion)

1. Afirmación imposible: "Este hombre sobrevivió 3 días sin corazón."
2. Pregunta directa: "¿Por qué los aviones son blancos?"
3. In media res: arrancamos en el momento más tenso y luego explicamos.
4. Contradicción: "Todo lo que te dijeron sobre X es mentira."
5. Reto / apuesta: "Si aguanto 30 segundos sin parpadear…"
6. Advertencia: "No hagas esto nunca con tu móvil."
7. Visual puro: imagen tan extraña que obliga a quedarse (sin palabras durante 1 s).
8. Final primero: mostramos el resultado y prometemos el cómo.

El gancho es triple: visual + verbal + texto en pantalla, alineados y en el primer segundo.

7.4 El loop

El Short perfecto se repite sin que el espectador note el corte:

• La última frase completa la primera. Ej.: final "…y por eso nadie volvió a abrir" → inicio "esa puerta lleva cerrada desde 1987".
• La imagen final empalma con la inicial (mismo encuadre, misma posición del actor, mismo sonido de ambiente).
• Sin fundido a negro, sin logo final, sin "suscríbete".

7.5 Reglas específicas de Short

• Una sola idea. Una sola promesa. Un solo payoff.
• Cero intro, cero outro, cero contexto innecesario.
• Ritmo de cambio visual: cada 1,5–3 s (corte, zoom, cambio de plano, texto, SFX).
• Texto en pantalla obligatorio (subtítulos + palabras clave destacadas).
• CTA solo si es orgánico y en mitad ("la parte 2 está en el vídeo largo"), nunca al final si rompe el loop.

8. Guion de vídeo largo (~10 min)

8.1 Por qué ~10 minutos

Suficiente para una historia con arco y para acumular tiempo de visualización; corto para mantener ritmo cinematográfico sin relleno. Nunca se estira un vídeo para llegar a 10 min. Si la historia da para 8, son 8.

8.2 Estructura maestra (minutaje orientativo)

8.3 Re-hooks (enganches de mantenimiento)

Cada 60–90 s el espectador decide otra vez si se queda. Recursos:

• Pregunta nueva: "Pero eso no explica lo de la carta."
• Anticipación: "Lo que encontró en el minuto siguiente lo cambió todo."
• Cambio de escenario / luz / vestuario.
• Cambio de registro: de narración a dramatización, de serio a irónico.
• Mini-payoff: cerrar un bucle pequeño mientras sigue abierto el grande.
• Dato de choque con apoyo visual.

8.4 Gestión de la curva de retención

• Caída de los primeros 30 s: normal hasta cierto punto; reducirla es la palanca más rentable. Cero preámbulos.
• Mesetas: el objetivo es una curva plana tras el minuto 1.
• Valles: cada bajada en analítica corresponde a un fragmento que sobra o aburre. Se apunta para el siguiente guion.
• Picos: repeticiones = momento de alto valor. Replicar ese tipo de momento.

8.5 Lo que nunca va en un largo

• "Hola, bienvenidos a mi canal" y similares.
• Pedir suscripción antes de haber dado valor (si se pide, después del primer gran payoff, en 3 s, con gracia y en personaje).
• Resúmenes de lo ya contado ("como hemos visto…").
• Patrocinios en los primeros 60 s (si los hay, tras el primer mini-payoff y en personaje).
• Final con "y eso es todo", "gracias por ver", fundido largo. El final empuja al siguiente vídeo.

8.6 Formato del guion largo: dos columnas

Todo guion largo se entrega en formato de dos columnas (IMAGEN | AUDIO), con minutaje estimado por bloque. Ver plantilla en 19.2.

9. Dirección cinematográfica con un solo actor

9.1 Filosofía

Cinematográfico = intencionado. Cada plano, luz y movimiento existe por una razón narrativa. Si no sabes por qué la cámara está ahí, la cámara está mal.

Un solo actor tiene un riesgo: monotonía. La combatimos variando todo lo demás.

9.2 Las 6 palancas de variedad

Para cada escena se define, como mínimo, cambio en 2 de estas 6 respecto a la anterior:

1. Tamaño de plano (gran plano general → plano detalle).
2. Ángulo (frontal, 3/4, perfil, picado, contrapicado, cenital).
3. Localización / fondo.
4. Luz (clave alta/baja, color, dirección, dureza).
5. Vestuario / atrezo.
6. Registro de interpretación (a cámara, cuarta pared, voz en off, dramatización muda).

9.3 Gramática de planos

9.4 Mirada

• Mirada a cámara: complicidad, narración, confesión. Es el modo por defecto del narrador.
• Mirada fuera de cámara (cuarta pared): dramatización, el espectador observa.
• Cambiar de una a otra es en sí un re-hook. Usarlo a propósito.

9.5 Lentes y profundidad

• Gran angular (16–24 mm eq.): energía, distorsión, entornos, Shorts de mucha acción. Cuidado con la cara en primeros planos.
• Normal (35–50 mm): narración natural, plano base.
• Tele corto (85–135 mm): retratos, intimidad, separación del fondo. Ideal para miniaturas y momentos emocionales.
• Profundidad de campo reducida como sello "cine", pero con foco siempre en los ojos.

9.6 Iluminación

• Luz motivada: toda luz debe parecer venir de una fuente creíble (ventana, lámpara, pantalla, farola).
• Esquema base: luz principal (key) suave a 45°, relleno bajo o negativo (para contraste), contraluz/rim para separar del fondo.
• Contraste = drama. Más sombra en momentos de tensión; más luz y relleno en momentos de claridad o humor.
• Fondo siempre más oscuro que la cara salvo intención contraria, con algún punto de luz práctica (lámpara, neón, vela) para profundidad.
• Color con intención: asignar un color a cada "mundo" o emoción del vídeo y respetarlo (ej.: frío = pasado/misterio; cálido = presente/narrador).

9.7 Un actor, varios personajes

Cuando la historia necesite más personajes:

• Vestuario + luz + encuadre distintos por personaje (un personaje = un esquema). El espectador debe saber quién habla sin pensar.
• Plano/contraplano grabando cada personaje por separado, con eyeline coherente (mirar al mismo punto marcado).
• Doble de espaldas / OTS con otra persona (nuca, hombro, manos) para vender la presencia del otro.
• Split screen / composición con cámara bloqueada y luz constante para planos con el actor dos veces en cuadro.
• Voz en off para personajes que no se ven (teléfono, radio, recuerdo).
• Siluetas, sombras y fuera de campo: lo que no se ve da más miedo y cuesta menos.

9.8 Movimiento de cámara

• Movimiento motivado: la cámara se mueve porque algo cambia (emoción, información, tensión).
• Push-in lento: aumenta tensión o importancia. El recurso estrella del canal.
• Pull-out: revela contexto, soledad, giro.
• Cámara en mano: urgencia, caos, verdad.
• Estática: autoridad, calma, comedia seca.
• En Shorts, los zooms digitales de montaje sustituyen parte del movimiento real.

9.9 Composición: 16:9 vs 9:16

• 16:9 (largos): regla de tercios, aire en la dirección de la mirada, uso del espacio negativo para soledad.
• 9:16 (Shorts): ojos en el tercio superior, sujeto centrado o casi, fondos simples, nada importante fuera de la zona segura (13.3).
• No reencuadrar a ciegas del 16:9 al 9:16: si una escena va a vivir en los dos formatos, rodar en una resolución que permita ambos encuadres y componer pensando en los dos (sujeto en el centro, aire arriba). Mejor aún: rodar los planos clave dos veces, una por formato.

9.10 Localizaciones y arte

• Pocos lugares, bien vestidos > muchos lugares pobres.
• Cada localización con profundidad (capas: primer término, actor, fondo con luz).
• Atrezo con significado: un objeto recurrente puede ser un motivo visual del vídeo.
• Evitar fondos blancos planos y paredes lisas sin luz.

10. Interpretación: dirigir al actor

10.1 Principios

• Verdad > perfección. Una toma con energía y un pequeño tropiezo vence a una perfecta y muerta.
• Energía un 15–20 % por encima de lo natural para cámara (la pantalla pequeña aplana). En planos muy cerrados, bajar: la cámara amplifica.
• Saber qué quiere el personaje en cada frase. El director da intenciones ("convéncele", "asústale", "confiésate"), no entonaciones.
• Escuchar y reaccionar, incluso a la nada: las pausas y miradas son montaje gratis.

10.2 Técnica práctica

• Frases cortas por toma en narración: facilita montaje y ritmo. Grabar cada línea 2–3 veces con intención distinta.
• Primera frase del vídeo: mínimo 5 tomas con variaciones. Es la frase más importante del vídeo.
• Reacciones mudas: grabar siempre un rato de reacciones (sorpresa, duda, sonrisa, miedo) para cubrir montaje y miniaturas.
• Fotos de miniatura: sesión dedicada al final de cada jornada con expresiones exageradas y luz de miniatura.
• Teleprompter: permitido en narración a cámara, con el texto en frases cortas y el prompter muy cerca del objetivo (evitar ojos que barren). Prohibido en dramatización.

10.3 Cuidado del actor

Un canal de un solo actor depende de una sola persona: planificar jornadas sostenibles, voz descansada (las sesiones de narración no pasan de 2–3 h seguidas), y bloques de rodaje que agrupen varios vídeos por localización y vestuario.

11. Sonido

11.1 Reglas de oro

• El diálogo manda. Nunca, bajo ningún concepto, la música tapa la voz.
• Micrófono cerca: lavalier oculto o cañón fuera de cuadro, lo más cerca posible. Nunca el micro de cámara para la voz.
• Grabar room tone (30 s de silencio del lugar) en cada localización.
• Sitios tranquilos: un sitio bonito con ruido es peor que uno feo en silencio.

11.2 Diseño sonoro

• SFX en cada transición, texto y movimiento importante (whoosh, impact, riser, clicks). Sutiles en largos, más presentes en Shorts.
• Ambientes que construyen el lugar (lluvia, ciudad, habitación con ecos).
• Silencio como arma: cortar música justo antes de una revelación. El silencio es el SFX más potente.
• Riser → corte seco antes del giro principal.

11.3 Música

• La música marca la emoción de cada bloque: cambia de pista al cambiar de bloque (es un re-hook auditivo).
• Siempre con licencia válida para YouTube (biblioteca propia, librerías con licencia, Audio Library de YouTube). Nunca música comercial sin derechos: mata la monetización y puede tumbar el vídeo.
• Volumen de música bajo la voz: aprox. −18 a −25 dB por debajo del diálogo, con ducking.

11.4 Mezcla y loudness

• Objetivo de entrega: aprox. −14 LUFS integrados, true peak ≤ −1 dBTP.
• Voz con EQ (cortar graves < 80 Hz), compresión suave, de-esser, reducción de ruido moderada.
• Revisar la mezcla en móvil y con auriculares baratos: es donde se va a ver.

12. Montaje para retención

12.1 Principios

• El montaje es la última reescritura del guion. Si algo no funciona, se corta aunque costara rodarlo.
• Corta el aire: respiraciones, silencios muertos, "eh", arranques de frase. Excepción: pausas dramáticas intencionadas.
• Entra tarde, sal pronto: cada plano empieza lo más tarde posible y termina en cuanto ha dicho lo que tenía que decir.
• Cambio de estímulo visual: cada 1,5–3 s en Shorts, cada 4–8 s en largos (corte, inserto, cambio de plano, zoom, texto, gráfico, b-roll).

12.2 Herramientas de ritmo

• Cortes J y L: el audio de la siguiente escena entra antes (J) o el de la anterior se alarga (L). Hacen el montaje fluido y cinematográfico.
• Jump cuts con cambio de tamaño (punch-in 110–130 %) en narración a cámara para eliminar pausas sin que se note el salto.
• Match cuts: unir dos planos por forma, movimiento o sonido. Elevan la calidad percibida.
• Insertos y b-roll para cubrir cortes y "mostrar" lo que se dice.
• Speed ramps con moderación, solo en momentos de acción.

12.3 Texto en pantalla y subtítulos

• Shorts: subtítulos quemados obligatorios, 1–4 palabras por bloque, palabra clave resaltada en color de acento, en zona segura.
• Largos: subtítulos cargados como archivo (SRT) en español revisado a mano. Textos en pantalla solo para datos, nombres, fechas y énfasis.
• Una sola tipografía del canal. Animaciones de texto simples y consistentes.

12.4 Color

• Corrección primaria (exposición, balance, contraste coherentes entre planos) → etalonaje creativo (look del canal, 9.6).
• Pieles naturales siempre, aunque el resto del cuadro esté estilizado.
• LUT del canal como base, ajustada plano a plano.

12.5 Prueba de montaje

Antes de exportar, el montador ve el vídeo en móvil, sin sonido y luego solo con sonido:

• Sin sonido: ¿se entiende y engancha lo visual?
• Solo sonido: ¿se sigue la historia?
• Marcar cualquier segundo en el que tú mismo sentiste ganas de saltar. Ese segundo se corta o se arregla.

13. Especificaciones técnicas

13.1 Captura

• Resolución: 4K siempre que sea posible (permite reencuadres y versión vertical).
• Cadencia: 24 fps (look cine) en narración y dramatización; 50/60 fps para material que se ralentizará.
• Obturación: regla de los 180° (1/50 a 24/25 fps).
• Perfil: log o plano si el equipo de color puede gestionarlo; si no, un perfil estándar bien expuesto es mejor que un log mal expuesto.
• Exposición: proteger altas luces y pieles. Usar zebras / false color.

13.2 Entrega largo (16:9)

• 3840×2160 o 1920×1080, 24/25 fps, H.264/H.265 alta tasa de bits.
• Audio AAC 48 kHz, estéreo, ~−14 LUFS.
• Subtítulos SRT revisados.
• Capítulos en la descripción (marca de tiempo 0:00 obligatoria y mínimo 3 capítulos) con títulos que también generen curiosidad.

13.3 Entrega Short (9:16)

• 1080×1920 (o 2160×3840), 24–60 fps.
• Zonas seguras (aprox., verificar con plantilla actualizada de la interfaz): dejar libre el ~15–20 % inferior (título, canal, música), el ~15 % derecho (botones) y el ~10 % superior. Caras y textos en el centro-alto del encuadre.
• Sin bordes negros, sin marcas de agua de otras apps.

14. Ecosistema Shorts ↔ largos

• Shorts como tráiler: extraer el mejor momento (normalmente el punto medio del largo) y reescribirlo como Short autónomo, con su propio gancho y payoff. Nunca un recorte que dependa del largo para entenderse.
• Vincular el largo desde el Short (función "vídeo relacionado").
• Shorts originales (no derivados) para probar ideas: si un Short explota, la idea es candidata a largo.
• Proporción orientativa: por cada largo, 3–5 Shorts (derivados + originales).
• Mismo personaje, mismo look en ambos formatos: el espectador de Shorts debe reconocer al actor en la miniatura del largo.

15. Publicación

15.1 Antes de publicar

• Título final + 1 alternativo. Miniatura final + 2 variantes para "Probar y comparar".
• Descripción: 1–2 primeras líneas que amplían la promesa (es lo que se ve sin desplegar), capítulos, fuentes, enlaces a vídeos relacionados.
• Etiquetas: mínimas, no son relevantes para el alcance; el título y el contenido lo son.
• Pantalla final (últimos 5–20 s) apuntando a un vídeo concreto (el más relacionado o el de mejor retención), no a una lista genérica.
• Tarjetas solo donde haya relación real, nunca en momentos de tensión.

15.2 Ritmo de publicación

• La consistencia vence a la frecuencia. Mejor 1 largo a la semana durante un año que 3 durante un mes.
• Shorts: varios por semana si la calidad se mantiene.
• Publicar en la franja en que la audiencia está activa (ver Analytics → "Cuándo está conectada tu audiencia").

15.3 Primeras 24–48 h

• Responder y dar "corazón" a comentarios en la primera hora.
• Comentario fijado con una pregunta que provoque respuestas, o un dato extra.
• Revisar CTR y retención a las 24 h: si el CTR está muy por debajo de la media del canal, cambiar título/miniatura (si no lo está haciendo ya el test A/B).

16. Análisis y mejora continua

16.1 Métricas clave

Largos: CTR de impresiones, duración media de visualización, % medio visto, retención a los 30 s, curva de retención, fuentes de tráfico, suscriptores ganados por vídeo, vistas de espectadores nuevos vs recurrentes.

Shorts: % visto vs deslizado, % medio visto (puede superar el 100 % por repeticiones), compartidos, suscripciones por Short.

Comparar siempre contra la media del propio canal, no contra cifras de internet.

16.2 Post-mortem obligatorio

Cada vídeo, a los 7 días, se rellena una ficha:

1. ¿Qué prometía el packaging? ¿Lo cumplió?
2. CTR vs media del canal. Hipótesis de por qué.
3. Retención a 30 s vs media. ¿Qué pasó en el gancho?
4. Valles en la curva: minuto exacto y causa probable.
5. Picos en la curva: qué los provocó.
6. Mejores comentarios / críticas repetidas.
7. Una lección accionable para el siguiente vídeo (que se añade a esta biblia si se confirma en 3 vídeos).

16.3 La biblia se actualiza

Esta biblia es un documento vivo. Una regla nueva entra cuando se ha confirmado en al menos 3 vídeos. Una regla sale cuando los datos la contradicen de forma repetida. Todo cambio se anota en el registro de cambios (final del documento).

17. Los pecados capitales

Cualquiera de estos invalida un guion o un montaje:

1. Empezar con saludo, logo, intro o contexto.
2. Miniatura/título que promete algo que el vídeo no da.
3. Primer fotograma de Short estático, negro o vacío.
4. Música que tapa la voz o música sin licencia.
5. Audio grabado con el micro de la cámara.
6. Plano que dura más de lo que aporta.
7. Más de 10 s seguidos en largos (3 s en Shorts) sin ningún cambio visual ni sonoro, salvo silencio dramático intencionado.
8. Repetir lo ya contado ("como decíamos…").
9. Despedida larga, "gracias por ver", "eso es todo".
10. Datos sin verificar.
11. Estirar un vídeo para llegar a una duración.
12. Mismo plano, misma luz, mismo registro del actor durante todo el vídeo.
13. Texto fuera de la zona segura en Shorts.
14. Publicar sin haberlo visto completo en un móvil.

18. Checklists

18.1 Idea aprobada

• [ ] Frase de la idea < 15 palabras.
• [ ] Emoción principal nombrada.
• [ ] Pasa ≥ 5 de 6 en el test de la idea (4.3).
• [ ] Encaja con el personaje-canal.
• [ ] Viable con un actor y los medios disponibles.

18.2 Packaging aprobado (largo)

• [ ] ≥ 10 títulos escritos, 2 finalistas.
• [ ] Boceto de miniatura legible a 160 px.
• [ ] Título y miniatura se complementan, no se repiten.
• [ ] La promesa se cumple en el guion previsto.

18.3 Guion aprobado

• [ ] Gancho visual + verbal + texto en el primer segundo / primeros 15 s.
• [ ] Bucle principal abierto al inicio y cerrado al final.
• [ ] Siempre hay al menos un bucle abierto.
• [ ] "Pero / por lo tanto" entre todos los beats.
• [ ] Re-hooks cada 60–90 s (largo) / escalada constante (Short).
• [ ] Payoff mejor que la promesa.
• [ ] Final sin despedida; loop (Short) o puente (largo).
• [ ] Leído en voz alta y cronometrado.
• [ ] Datos con fuente.
• [ ] Variedad prevista (2 de 6 palancas por escena).

18.4 Rodaje

• [ ] Shot list y plan de rodaje con planos para 16:9 y 9:16.
• [ ] Sonido: micro cerca, monitorizado con auriculares, room tone grabado.
• [ ] Luz motivada, fondo más oscuro que la cara, separación.
• [ ] Foco en ojos verificado.
• [ ] Primera frase: ≥ 5 tomas.
• [ ] Reacciones mudas grabadas.
• [ ] Fotos de miniatura dedicadas.
• [ ] Insertos y planos detalle suficientes para cubrir montaje.
• [ ] Copia de seguridad de las tarjetas por duplicado antes de formatear.

18.5 Montaje

• [ ] Sin aire muerto; entra tarde, sal pronto.
• [ ] Cambio de estímulo con la frecuencia mínima.
• [ ] SFX y música por bloques; silencio antes de las revelaciones.
• [ ] Diálogo siempre inteligible; −14 LUFS aprox.
• [ ] Color coherente, pieles naturales.
• [ ] Subtítulos (quemados en Short, SRT en largo) revisados.
• [ ] Zona segura respetada (Short).
• [ ] Prueba en móvil: sin sonido, solo sonido, completo.

18.6 Publicación

• [ ] Título + alternativo, miniatura + 2 variantes en test.
• [ ] Descripción con gancho en 2 primeras líneas, capítulos y fuentes.
• [ ] Pantalla final a un vídeo concreto.
• [ ] Short vinculado al largo relacionado.
• [ ] Comentario fijado listo.
• [ ] Recordatorio de post-mortem a los 7 días.

19. Plantillas

19.1 Plantilla de guion de Short

TÍTULO INTERNO:
IDEA EN UNA FRASE:
EMOCIÓN PRINCIPAL:
DURACIÓN OBJETIVO:         s   (≈ palabras: )
TIPO DE GANCHO:

PRIMER FOTOGRAMA (descripción exacta):
TEXTO EN PANTALLA INICIAL (≤ 8 palabras):

| t (s)   | IMAGEN (plano, luz, acción)        | AUDIO (voz / SFX / música)          | TEXTO EN PANTALLA |
|---------|------------------------------------|-------------------------------------|-------------------|
| 0–1     |                                    |                                     |                   |
| 1–3     |                                    |                                     |                   |
| 3–8     |                                    |                                     |                   |
| 8–…     |                                    |                                     |                   |
| PAYOFF  |                                    |                                     |                   |
| LOOP    |                                    |                                     |                   |

CÓMO EMPALMA EL FINAL CON EL INICIO:
FUENTES:

19.2 Plantilla de guion largo (dos columnas)

TÍTULO (final + alternativo):
MINIATURA (descripción / boceto):
PROMESA EN UNA FRASE:
BUCLE PRINCIPAL (la pregunta que se responde al final):
EMOCIÓN PRINCIPAL / SECUNDARIA:
DURACIÓN OBJETIVO:

=== 0:00 COLD OPEN ===
| IMAGEN                                   | AUDIO                                     |
|------------------------------------------|-------------------------------------------|
| [Plano, lente, luz, acción del actor]    | VOZ: …                                    |
|                                          | SFX: …  MÚSICA: …                         |

=== 0:15 PROMESA Y STAKES ===
…
=== 1:00 ACTO I ===   (mini-payoff en ~2:00–2:30)
…
=== 3:00 ACTO II-A ===  (re-hooks marcados con ⟳)
…
=== ~5:00 PUNTO MEDIO / GIRO ===
…
=== 5:30 ACTO II-B ===
…
=== 8:00 ACTO III / CLÍMAX ===
…
=== 9:30 RESOLUCIÓN + PUENTE ===
…

BUCLES ABIERTOS (dónde se abren / dónde se cierran):
- Bucle 1: abre …  cierra …
- Bucle 2: abre …  cierra …

MOMENTOS EXTRAÍBLES COMO SHORT:
FUENTES:

19.3 Shot list

| # | Escena | Plano | Lente | Ángulo | Movimiento | Luz / esquema | Vestuario | Formato (16:9 / 9:16 / ambos) | Diálogo / acción | Notas |
|---|--------|-------|-------|--------|------------|---------------|-----------|-------------------------------|------------------|-------|

19.4 Ficha de post-mortem

VÍDEO:                       FECHA PUBLICACIÓN:
CTR:        (media canal: )
RETENCIÓN 30 s:      (media: )
% MEDIO VISTO:       (media: )
VALLES (min:seg → causa):
PICOS (min:seg → causa):
COMENTARIOS CLAVE:
LECCIÓN ACCIONABLE:

20. Glosario

• APV / % medio visto: porcentaje medio del vídeo que ve cada espectador.
• AVD / duración media: tiempo medio visto por reproducción.
• Beat: unidad mínima de acción o información en el guion.
• Bucle abierto (open loop): pregunta planteada y aún no respondida.
• Cold open: inicio que arranca en plena acción, antes de cualquier presentación.
• CTR: porcentaje de impresiones que se convierten en clics.
• Cuarta pared: el límite imaginario entre la escena y el espectador; romperla es mirar a cámara.
• Ducking: bajada automática de la música cuando hay voz.
• Eyeline: dirección de la mirada del actor; debe ser coherente entre planos.
• Gancho (hook): elemento que retiene en los primeros segundos.
• J-cut / L-cut: el audio se adelanta (J) o se prolonga (L) respecto al corte de imagen.
• Loop: Short cuyo final empalma con su principio.
• LUFS: unidad de sonoridad percibida.
• Luz motivada: luz que parece venir de una fuente presente en la escena.
• Match cut: corte que une dos planos por forma, movimiento o sonido.
• Outlier: vídeo que rinde muy por encima de la media de su canal.
• Packaging: título + miniatura (+ primer fotograma en Shorts).
• Payoff: la recompensa; la respuesta o giro que cierra un bucle.
• Re-hook: nuevo gancho a mitad de vídeo para retener.
• Room tone: sonido ambiente "en silencio" de una localización.
• Stakes: lo que está en juego.
• Zona segura: área del encuadre libre de elementos de la interfaz.

Registro de cambios